«Для современного искусства важнее концепция и идея, чем красота и эстетика»

Художник Алина Пайлозян родилась в 1992 году в Ереване, в 2012 году закончила образование на факультете искусств СПбГУ по специальности «графический дизайн», где училась живописи у Владимира Загорова. С 2014 года она является членом Союза художников IFA SPB. В ее активе многочисленные групповые и персональные выставки в различных галереях и арт-пространствах.

В интервью обозревателю «Росбалта» Алина Пайлозян поделилась своими мыслями о технологическом прогрессе, творческих суевериях и жизни вне шумного города.

— Что вы можете рассказать о начале творческого пути, образовании и учебе в мастерской Владимира Загорова?

— Об учебе в СПбГУ на графического дизайнера у меня остались приятные воспоминания. Нас, конечно, обучали академическому рисунку и живописи, но на последнем курсе была полная творческая свобода. Как раз тогда живопись у нас преподавал Владимир Игоревич Загоров — прекрасный художник и очень деликатный преподаватель. Нельзя сказать, что он нас учил какой-то своей технике. Он, скорее, давал раскрыться тому художественному потенциалу, который был заложен в каждом студенте.

— Расскажите об опыте учебы в школе современного искусства…

— Итогом обучения стал проект, выставленный в одной петербургских галерей. Я реализовала для этого инсталляцию IKONA, которая представляла собой некий алтарь из разных предметов техники и электроники и демонстрировала то, чему мы явно или скрыто «поклоняемся».

Мне кажется важным задуматься, являются ли телефоны, компьютеры, виртуальные игры, социальные сети и интернет технологии элементами прогресса в нашем обществе. Не приведет ли такой «прогресс» к духовной, социальной и научной деградации? Наверное, главное, что я усвоила на этом этапе, — что для современного искусства важнее концепция и идея, чем красота и эстетика. Такая философия показалась мне неблизкой, я сделала выводы из обучения и решила дальше идти своим путем.

— Какое у вас сложилось впечатление о современных петербургских арт-пространствах и необычных музеях за время выставочной деятельности?

— У каждого выставочного пространства своя специфика: то, что хорошо в одном пространстве, может оказаться недопустимым в другом. Например, мои яркие и экспрессивные работы из серии «Красный диапазон» были бы совершенно неуместны в музее-усадьбе Приютино, зато в интерьерах первой половины XIX века, прекрасно вписалась моя серия пейзажей.

А ведь многие галереи современного искусства отвергают пейзажи, считая банальным, когда художник передает просто красоту природы. По моему опыту, галереи современного искусства заинтересованы выставлять проект, концепцию, и объект искусства даже не рассматривается без текстовой части, а ведь я не позиционирую себя как писателя.

«Проект» ассоциируется у меня с каким-то научным подходом, а лично для меня искусство — это все-таки красота. Я люблю открытые галереи, с большими окнами и абсолютной видимостью с улицы — это напоминает мне всегда Голландию. Именно этим меня привлекло выставочное пространство Лиговской библиотеки: я увидела выставку с улицы и не могла не зайти. Ну а дальше знакомство с куратором — Анастасией Мельниковой и персональная выставка «Городские тропы».

— Какие из персональных и групповых выставок вы можете отнести к особенно ярким событиям в своей карьере?

— Пожалуй, самой любимой была первая персональная выставка «Красный диапазон» в музее современного искусства во Владивостоке в 2014 году. Его директор Александр Иванович Городний на основании готовых работ и эскизов поставил в план мою выставку. Музей представлял на тот момент из себя огромный светлый зал, выставка выглядела очень масштабно и ярко. Не менее значимой я считаю персональную выставку «Красный диапазон» в Санкт-Петербурге в 2019 году.

Почему-то я немного боялась тогда выставлять эту серию, она казалась мне устаревшей, но меня очень приободрила куратор этой выставки и искусствовед Мария Орлинская. Выставка оказалась неожиданной, так как была распродана почти вся коллекция работ из этой серии и работы из других серий — итого около 50 полотен, а это для художника большой успех. Эта выставка придала мне уверенность, и я продолжила писать серию «Красный диапазон». Также для меня очень ценно иметь выставку «Пейзажи» в музее-усадьбе Приютино, так как сам музей богат имеет очень богатую историю.

— Можете ли вы выделить особо любимые технические средства и направления в искусстве, которые вам наиболее близки?

— Я люблю масляную живопись, работу с текстурой, яркими цветами, плотность и многослойность краски. Большие форматы дают огромную свободу движений, такие работы пишутся дольше, но легче, чем миниатюры. Однако маленькие работы тоже хороши для определенных сюжетов — они более интимны, на мой взгляд.

Относительно стилей и направлений в искусстве, сложно выделить что-то, почти в каждом направлении найдется великий мастер. Например, я одинаково люблю творчество Шишкина и Матисса, Кандинского и Айвазовского, Сарьяна и Верещагина. Я не хочу приклеивать к себе различные «измы», этим интереснее заниматься искусствоведам. В зависимости от тематики я использую разные стили: в изображении природы я стремлюсь к реализму, так как не хочу ничего добавлять от себя. В работах, связанных с личными чувствами, событиями и переживаниями, прослеживается экспрессионизм, фовизм, символизм, абстракционизм.

— Есть ли у Вас произведения, связанные или вдохновленные какими-нибудь важными событиями в жизни, пересмотром ценностей и ориентиров? Можете ли Вы поведать об их создании?

— Пожалуй, серия «Красный диапазон» и есть отражение важных событий в жизни: поиск возлюбленного, встреча, любовь, рождение ребенка. Эта серия очень личная, интимная, семейная и даже пророческая. В последних работах «Красного диапазона» доминирует образ ребенка, ведь его рождение — это огромное событие в жизни женщины. Ребенок очень вдохновляет и дисциплинирует меня, и немного свободного времени все же остается на свое творчество.

Также я люблю свои пейзажи, но даже не сами работы, а воспоминания, связанные с процессом создания работ. Ведь каждая работа писалась с натуры в каких-то особенных местах. Процесс работы в мастерской не запоминается так ярко, как на природе. Поэтому каждый пейзаж — это воспоминание о некоем дне, времени года и интересном времяпровождении.

Важным толчком для работы с пейзажами стал мой переезд на четыре месяца в Центрально-Лесной заповедник Тверской области в 2018 году. Я переехала туда из-за усталости от мегаполиса, и эта поездка наполнила меня природной энергией. После этого в большом городе я жить уже не могла, и мы семьей переехали в пригород Ленинградской области. Тут природа, тишина, мало людей, чистый воздух. Мое счастье оказалось зависимым от природы, и это отразилось на моем творчестве.

— С чем связано лаконичное изображение людей и животных на Ваших картинах, отсутствие анатомической точности в сочетании с яркой игрой красок?

— Мое отношение к портретам очень странное, даже немного суеверное. Есть страх перед культом личности, нарциссизмом или созданием слишком живого портрета, как было в повести Гоголя. Также я не стремлюсь передать физиологию — при изображении людей мне важно передать их настроения и чувства. Я знаю лично и очень уважаю некоторых портретистов, осознавая, что их дело требует большого мастерства, внимания и любви.

— Чем могут быть интересны для зрителя арт-объекты из мусора?

— Данные арт-объекты, а именно — цветы из мусора, были в свое время для меня неким экспериментом и даже баловством. Я и не планировала их где-то выставлять.Они прежде всего своей техникой, а также могут наводить зрителя на самые разные мысли.

Я же хотела вложить в эти объекты идею о том, что как бы ни была сильна проблема загрязнения природы человеком, не стоит быть столь самоуверенным, что человек уничтожит жизнь на Земле. Она существует даже в самых критических условиях, поэтому я уверена, что даже из горы мусора, которую мы последний век активно создаем, возродятся цветы. Природа победит любые невзгоды.

— Какие препятствия приходится преодолеть молодому художнику в продвижении своих работ и наработке репутации?

— Все препятствия лишь в наших головах. Молодым художникам часто не хватает уверенности, а еще чаще мастерства и жизненного опыта. Мне кажется, художникам не стоит сильно отвлекаться на саморекламу, погружаться с социальные сети. Этим лучше заниматься другим людям. Важно хотеть развиваться, создавать, созидать, стремиться к красоте и эстетике.

Беседовала Людмила Семенова

«Росбалт» представляет проект «Новые передвижники», знакомящий петербуржцев с ключевыми событиями и именами в художественной жизни культурной столицы.